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Schott Music

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5. Oktober 2017

Klaus Huber 1924–2017

Klaus Huber

Wir gedenken unseres Komponisten Klaus Huber, der am 2. Oktober 2017 im Alter von 92 Jahren gestorben ist.

Schott Music verbindet eine über 60-jährige Zusammenarbeit mit dem charismatischen Schweizer Komponisten, Geiger, Dirigenten und Kompositionslehrer, der uns in dankbarer Erinnerung bleiben wird. In den Jahren 1956 bis 1976 hat der Schott-Verlag 22 seiner Werke publiziert; zuletzt, im Jahr 2010, erschien eine Bearbeitung von „Erinnere dich an Golgotha…“ für Solo-Kontrabass, 18 Instrumentalisten und Live-Elektronik.

Klaus Huber wurde am 30. November 1924 in Bern geboren. Von 1947 bis 1949 studierte er am Konservatorium Zürich Violine und Schulmusik, parallel dazu Theorie und Komposition bei Willy Burkhard und später bei Boris Blacher in Berlin. Seinen internationalen Durchbruch erreichte er 1959 beim Weltmusikfest der IGNM in Rom mit der Kammerkantate Des Engels Anredung an die Seele. Das Werk …inwendig voller figur… auf Texte aus der Johannes-Apokalypse und von Albrecht Dürer aus dem Jahr 1971 wurde zum Manifest seiner Ästhetik. Seiner Musik ist immer eine gewisse Unberechenbarkeit zu Eigen: Plötzliche Brüche, unvorhergesehene Übergänge, Montagen, filmartige Schnitte und offene Formen bewirken kontinuierlichen Wandel. „Ich verabscheue Musik, die nie anhält, die gleichförmig ist“ sagte Huber einmal. Von christlicher Mystik, später auch von der asiatischen und der arabischen Kultur inspiriert, hat sich der Komponist in vielen Werken für Menschlichkeit eingesetzt und zum Widerstand gegen menschliches Elend, Intoleranz und Gewalt aufgerufen.

Huber prägte die zeitgenössische Musik nicht nur als Komponist, sondern auch durch seine Lehrtätigkeit als Professor in Basel und Freiburg. Zu seinen Schülern gehörten unter anderem Wolfgang Rihm, Brian Ferneyhough und Toshio Hosokawa. 2009 wurde Klaus Huber mit dem Ernst von Siemens-Musikpreis und 2013 mit dem Musikautorenpreis für sein Lebenswerk ausgezeichnet.

Klaus Huber – Profil

13. September 2017

Siegfried Köhler 1923–2017

Siegfried Köhler, der ehemalige Wiesbadener Generalmusikdirektor und Hofkapellmeister der Königlichen Oper Stockholm, ist am 12. September im Alter von 94 Jahren gestorben. „Siegfried Köhler 1923–2017“ weiterlesen

21. August 2017

Wilhelm Killmayer 1927–2017

Wilhelm Killmayer 1927-2017; Foto: Stefan Forster

Wilhelm Killmayer ist am 20. August 2017, einen Tag vor seinem 90. Geburtstag, in Starnberg verstorben. Mit dem Komponisten verliert die Musikwelt einen ihrer größten Individualisten. In der Auseinandersetzung mit der Tradition fand er zu einem eigenen zeitgenössischen, unverwechselbaren Stil. Er schuf Orchesterwerke und Kammermusiken für den Konzertsaal und komponierte für das Musiktheater. Bis ins hohe Alter arbeite Killmayer sukzessive an der Vergrößerung seines reichhaltigen Œuvres von Liedkompositionen. Dass Humor und Parodie in die zeitgenössische Kunstmusik wieder Einzug fanden, gehört zu seinen größten Verdiensten.

Alfred Schnittke sagte einmal über die Musik Killmayers, sie sei neue Musik mit alten Mitteln. Die Kantabilität eines Robert Schumann überzeugte ihn mehr als der theoretische Überbau der Avantgarde in der Nachfolge der Zweiten Wiener Schule. Vor dem Hintergrund einer emphatischen Faszination für die Musik vergangener Epochen entwickelte Killmayer einen Individualstil, der nicht zuletzt in seiner Bereitschaft zur Verfremdung zeitgenössisch war. Fremdes und Vertrautes gingen in Killmayers Stil eine neuartige Verbindung ein. Weil Jahre später viele seiner ästhetischen Ansichten unter dem Begriff der Postmoderne verortet wurden, konnten ihm nun auch jene Kritiker Anerkennung zollen, die ihm diese in den Anfangsjahren verwehrt hatten.

Spätestens mit der 1964 aufgeführten musikalischen Posse Yolimba hatte sich Killmayer quer zu den ästhetischen Strömungen seiner Zeit gestellt. Zu dem von Tankred Dorst verfassten Libretto schuf er eine phantasievolle Musik voll musikalischen Humors und parodistischer Anspielungen, die keine Berührungsängste mit der Unterhaltungs- und Gebrauchsmusik zeigte. Den Buffonerien Jacques Offenbachs, aber auch dem Dadaismus eines Eric Satie standen Killmayers Musiktheaterstücke näher als die theorieernste Avantgarde jener Jahre. Für Killmayer wurde die Wiederentdeckung des Komischen in der Musik zu einem persönlichen Befreiungsschlag, der auch auf spätere Komponistengenerationen nachhaltig wirkte.

In den frühen Werken hatte Killmayer das Ostinato als prägendes Element seines kompositorischen Stils entwickelt. Anhaltende Wiederholungen von Motiven und rhythmischen Figuren wurden zum Spannungsträger der dramaturgischen Entwicklung. Später ergänzte er seine Kompositionstechnik um ein radikales Element: die Reduktion. Orchesterstücke wie die Nachtgedanken (1973) oder die drei Kammermusiken (The woods so wilde, 1970; Schumann in Endenich, 1972 und Kindertage, 1973) zerlegen die Musik in ihre Einzelteile. Der musikalische Fluss gerät zeitweise nahezu vollständig ins Stocken; Ton- und geräuschlose Pausentakte stehen am Ende eines musikalischen Zerfalls. Stille und Klang, Spannung und Entspannung heißen die Gegensatzpaare dieser konsequenten Zurücknahme der stilistischen Mittel auf das Wesentliche. Obwohl die Melodie als Prinzip erhalten blieb, verloren Tonalität und Harmonik in der Vereinzelung des Tones ihre traditionelle Funktion.

Das Komponieren von Musik war für Killmayer immer auch ein mit dem Naturerlebnis verbundener Vorgang: „Ich gehe durch die tonkargen spätherbstlichen Wälder, und ich höre mein Herz schlagen; ich höre die Geräusche der langsam sich ergebenden Natur und den Widerhall eines Vogelschreis in meiner Erinnerung. Immer tiefer gerate ich in das Innere, wo Erschrecken und Ruhe sich nahe sind, wo die Furcht stillhält.“ Hat sich der Kompositionsvorgang einmal in Gang gesetzt, folgt er seinen naturgegebenen Gesetzen. Die Abfolge der Töne entwickelt sich aus sich selbst heraus, folgt keinem theoretischen Muster. Für Killmayer besaßen die Töne eine Art Persönlichkeit, die auch in einem Instrumentalwerk durch das Aufeinandertreffen ihrer individuellen Charaktere eine dramaturgische Handlung erzeugen konnte. Es ist dieses von Schubert, Schumann und Mahler übernommene kindliche Staunen vor dem einzelnen Ton, das Killmayers Melodik ausmacht. „Ein einzelner Ton ist für mich etwas sehr Kostbares – wie ein Kristall oder eine Blume“. Die Töne sprechen, ohne dass sie sich der Sprache bedienen.

Der natürliche Träger der Melodie ist die Stimme, in zahlreichen Vokalkompositionen hat Killmayer dieser Vorstellung Ausdruck verliehen. In den 1980er Jahren komponierte er die Zyklen von Hölderlin-Liedern, die sowohl in Klavier- wie auch Orchesterbegleitung existieren. Später kamen Trakl-, Eichendorff- und Heine-Zyklen hinzu. Bis in seine letzten Lebensjahre setzte sich Killmayer produktiv mit der Gattung Lied auseinander. Seismographisch spiegeln die Vokalwerke Killmayers einzigartige musikalische Ästhetik. Auch hier findet sich die Spannung aus Repetition und Reduktion. Mitunter tastet sich der Komponist vorsichtig an den Texten entlang. Eine Kunst des Fragilen entsteht, die Brüche aufzeigt, statt sie zu verdecken. Auch das humorvolle und Alltägliche findet sich in den Liedern wieder.

Zeitlebens blieb Wilhelm Killmayer mit der Stadt München verbunden. Hier ging er zur Schule, studierte bei Hermann Wolfgang von Waltershausen, Rudolf von Ficker und Carl Orff. 1973 wurde er selbst Professor an der Staatlichen Hochschule für Musik. Abgesehen von Aufenthalten in Rom, Paris und Frankfurt a. M. hat er sein gesamtes Leben in der unmittelbaren Nähe der bayerischen Metropole verbracht. Als Kompositionslehrer hat er eine ganze Komponistengeneration geprägt. Seinem Misstrauen gegenüber jeglichem autoritären System geschuldet, war für ihn das Lernen stets ein Erfahren. Seine Art zu unterrichten war vollkommen undogmatisch, den roten Faden zu seinen Kompositionskursen lieferten die Werke der großen Komponisten selbst, die perspektivisch untersucht wurden. Das Aufspüren und aktive Nachvollziehen des kreativen Prozesses im Innersten der Kompositionen stand dabei im Zentrum der Aufmerksamkeit. Das Umsetzen des Erfahrenen für den eigenen Prozess musste jeder Schüler selbst in die Hand nehmen: „Im Verlauf des Komponierens an einem Stück sagen Ihnen irgendwann die Töne, wohin sie wollen… da haben Sie nichts mehr zu bestimmen“.

Killmayers einzigartige Werke leben weiter, in jedem Augenblick, in dem sie von einem Musiker gespielt und von einem Hörer gehört werden. „Meine Musik lebt in der Vergangenheit und in der Zukunft und ist vielleicht gerade deshalb gegenwärtig.“ Diese Erkenntnis des Komponisten trifft den Kern seiner Ästhetik, die zeitlos ist und überdauern wird. Der Schott-Verlag gedenkt seiner in großer Dankbarkeit.